Rostros que lo son pese a que no tienen boca, otros que han diluido sus miradas y, sin embargo, respiran, hablan, observan, no al espectador, sino a sus sombras. Jhonathan Quezada Lira presenta ’Personae’ en la galería del Centro Cultural Peruano Norteamericano. Esta exposición reúne 205 pinturas que transponen lo violento y lo armónico en retratos que intentan serlo.
“Tengo la necesidad de destruir la figura, deshacer la imagen para encontrar una forma más esencial entre el caos, reordenar las piezas rotas en un nuevo rostro redefinido desde la abstracción”, anota Jhonathan Quezada Lira sobre ‘Personae’.
Hace quince años empezó el rastro de ‘Personae’, cuando Jhonathan, pintor y curador, se recluyó en sus oscuridades para materializarlas en texturas y color, cincelando óleos con espátula, pincel y algunos punzones. El artista arequipeño ahora comparte el resultado de sus silencios y ruidos pictóricos en esta muestra exhibida desde el 9 de agosto al 27 de septiembre. También nos concedió en entrevista un acercamiento a sus pinturas.
En el texto de presentación de “Personae” hablas sobre racionalizar la violencia.
En cuanto a racionalizar la violencia es por el mismo hecho de la apariencia de las obras. Así que, la manera de pintar ha sido un poco violenta en el hecho de poner la pintura o con dar algunos efectos con punzones. Al racionalizar la violencia se transforman las sombras que están en mi y pasan a ser algo visible que son los cuadros.
Esta muestra es una meditación y una catarsis. Me ayuda a desprenderme de esa violencia y plasmar esas obras por medio del pensamiento.
Exploro en la sombra. Según Jung, la sombra es lo que llevamos dentro. No podemos escapar de ella y en algún momento va a salir. Entonces, todo este trabajo trata de abrazar mi sombra. Primero intento encontrar cuál es, y luego, conversar con ella, amistarme con ella.
¿Cómo dar un nuevo tratamiento a temas que se debaten entre esta binariedad de la belleza y fealdad en cuanto al arte?
Lo bello y lo feo los trato solamente en el sentido estético.
Sin embargo, en Arequipa aún vivimos en el arte “feo y bonito”. Aún vivimos en esto que la acuarela está muy enfocada al arte costumbrista, que lo único que busca es alabar. Muchos vienen repitiendo los mismos temas durante muchos años. Es así que esto se ha convertido y es un canon de belleza en Arequipa.
Pregúntale a cualquier persona que sabe un poco de arte: va a preferir lo bonito a uno que transgrede ello. Ese tipo de dualidades todavía se viven en Arequipa
Si hablamos filosóficamente, teóricamente, obvio hay muchos contrastes y muchos otros pensamientos que no son binarios. Si hablamos de sombras no solo son las cosas malas. Sombras pueden ser cosas que pueden parecer muy positivas, como el ego.
Hay mucha dualidad pero también hay muchos grises que ver. Entonces esta exposición intenta encontrar esta diferencia. Si ves los cuadros no te desagradan… los colores, las composiciones… Las formas pueden ser tetricas, deformadas, llenas de dolor, retorcidas, pero si te fijas en el color, hace que la forma no sea tan agresiva. Esto ayuda a la contemplación y la meditación.
El proceso para lograr esta serie, por momentos, ha sido violento. Pero cuando empiezo a poner el color trato que esa figura sea más agradable. Por ejemplo, uso colores que tengan este efecto en el ojo de tranquilizar ante la tortura del personaje. También hay momentos en los que el color exagera o refuerza la expresión y la forma.
¿Y, en cuanto a lo clásico?
Se hace referencia a lo clásico en cuanto al sentido de la pintura como técnica clásica.
Por ejemplo, comenzó a darse otros tipos de manifestaciones artísticas como el happening, el body art, que un tiempo estuvieron en boga, y varias galerías del mundo preferían ese tipo de arte. La pintura en sí, comenzó a ser olvidada. Por ello se hace mención a la pintura como una técnica clásica.
En Arequipa, volver a eso, a la pintura, es como rescatarla, rescatar lo clásico.
Creo que de acá a un tiempo la pintura va a volver a ser el primer arte. Ahora que está todo digital, con la inteligencia artificial: vamos a volver a la obra artística como oficio.
Actualmente vivimos una crisis post pandémica en el mundo, y estamos en crisis político-social en Perú, y es inevitable hablar de lo político en la obra artística por más íntima que sea esta.
Exactamente los cuadros de esta muestra empezaron a ser pintados a partir de 2008, después tuve un silencio pictórico en esta serie de alrededor cuatro años hasta que retorno.
Pero sí, todo lo que vivimos en nuestro exterior, las crisis, en el Perú o en el mundo, en general afectan a todos. Afectan no solo psicológicamente, sino también en la manera de trabajar. Nos obliga a replantearnos la manera de trabajar, el método de creación del artista.
Por ejemplo, a mí me preguntan ‘¿tú estabas pintando cuando todo se estaba cayendo’, y yo solo puedo responder que esta era la manera de expresarme en ese momento.
“Se siente mucho la influencia de los rostros degradados de Frank Auerbach, la gestualidad cromática y lírica de William de Kooning, los collages deformes de la guerra de René Apallec, las máscaras reconstructivas de Anna Coleman, las tumoraciones y los bultos informes de Francis Bacon, la angustia ensordecedora y la deriva psicológica de Edvard Munch, los retratos confusos y orales de George Rowlett, y algo de las fotografías limítrofes sobre la extrañeza de Diane Arbus”, detalla el poeta Heiner Valdivia sobre la reciente muestra de Jhonathan Quezada Lira en exposición al público hasta el 27 de septiembre.
Pueden adquirir los cuadros que forman parte de “Personae” contactándose al +51 957 866 716 o a las redes sociales del artista.
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